« Febrero 2006 | Inicio | Abril 2006 »

Wing Shya

La apuesta del Mori Arts Center de Tokio por consolidar internacionalmente fotógrafos es bastante clara. Si hace unos meses se clausuraba con gran éxito de público la primera retrospectiva internacional sobre Sugimoto Hiroshi, ahora le he llegado el turno a Wing Shya.

Este fotógrafo de Hong Kong le debe mucho a su colaboración con el director de cine Wong Kar Wai, como él mismo reconoce abiertamente. Colaborador habitual de sus películas, Shya pasó de ser un fotógrafo más en el mundo de la fotografía comercial, ha labrarse una carrera artística en paralelo a las atmósferas creadas por Wong Kar Wai. Sus fotografías poseen ese glamour de erotismo contenido propio de películas como "In the Mood for love", así como unos colores que evocan épocas pasadas en donde aterciopelados tangos rasgaban viejos transistores.

La exhibición es una recopilación de más de trescientas fotografías, que van desde sus colaboraciones en películas, magazines y videos musicales, a inéditos fotoreportajes, o incluso una sesión de moda preparada especialemente para la ocasión, en la que una irreconocible Matsura Aya se deja de niñerías ante el objetivo de Shya, para aparecer como una bella mujer atormentada por una llamada de teléfono que nunca llega.

Como viene siendo habitual en las exposiciones monográficas de fotógrafos, un video recoge el making-off de la forma de trabajo de este fotógrafo maestro del color y del erotismo contenido. Viendole trabajar, se observa su cuidadosa preparación de la iluminación de los set -siempre ayudado por un numeroso equipo técnico-, y su tendencia a no usar nunca trípode. Siempre cámara en mano, sus preferencias altenan entre una baqueteada Canon EOS-1v y una Hasselblad H2.

La única pega de esta recomendable exposición es la impresión de las fotografías. Patrocinada por Epson, sorprende la baja calidad de las copias. Hasta el punto de observarse más que significativas diferencias en el color de la misma fotografía impresa en tamaños diferentes. Una lástima que para este exposición haya primado la cantidad frente a la calidad de las fotografías.

un banco en el parque

Preguntado el gran director de cine Aki Kaurismaki sobre sus preferencias a la hora de filmar, contestó:

"Bueno, a mi me basta con una pareja hablando delante de un muro. También me conformo con una sola persona delante del muro. Y con ninguna, ya que, ahora que lo pienso, a mí lo que de verdad me interesa es el muro"

Y yo que no dudo de que la gente que se sienta en los bancos es interesantísima...

frank.six

Mi última adquisición en el mercado de segunda mano ha sido una vieja cámara plegable, llamada Tosei Frank Six (mod. IV). Tosei es una empresa japonesa que fue fundada durante la guerra, como un consorcio que se encargase de distribuir las escasas reservas de papel fotográfico que quedaban. Tras la guerra fabricó algunos modelos de cámaras y lentes, antes de ser absorbida por Olympus.

El modelo Tosei Frank es una cámara de medio formato fabricada a principios de los 50, con la particularidad de poder alternar entre dos tamaños de fotografía: 6x6 y 6x4.5 (se complementará a la perfección con mi Pentax 67). Es una cámara de fuelle, con un objetivo de 80mm/3.5, algo así como el estándar de la época y de todas las rolleiflex y derivadas. Y por supuesto, totalmente manual. Todo funciona por medio de resortes. Aunque usando el fotómetro se pueden conseguir resultados más que decentes, no es el propósito de esta cámara.

La razón de recuperar una cámara tan antigua es bien sencillo. Por el mismo precio por el que puedes comprar un trozo de plástico lllamado Holga, puedes hacerte con una reliquia en perfecto funcionamiento, de metal, con lentes de calidad, que encima te va a ofrecer más versatilidad, durabilidad y "jugabilidad" que esas cámaras de "plasticorro".

ntt

Torre NTT vista desde Harajuku, Tokio. 2005
Canon T-90. Film Kodak professional ektachrome 200 (forzado ISO800). Objetivo 80-200mm

creators on the line

+81: Is the city you see through your finder different to how you see it with your own eyes?

Moriyama Daido: Physically, and visually theres a change. When you look at something through the lens there is a window like space through which your field of vision is limited to, and that decides the composition of what you are taking, so naturally it is different. However, if you spend too much time gazing through your lens, you end up thinking about composition too much, are drawn away from the impulse to just take the photo, and you end up "creating" the photo, which I dont like. So, I usually look at the broad view of things, and take photos with a moments glance through the finder. Things I have taken like that I can look at later.

El número de primavera de la revista +81 (edición bilingüe inglés/japonés) es un monográfico (el tercero ya) sobre fotógrafos. La revista incluye una entrevista y un repaso a seis fotógrafos de muy diferente signo. Aparte de incluir dos valores seguros que garanticen lectores como son Araki Nobuyoshi y Moriyama Daido, la revista incluye una desigual selección en la que la única sorpresa es conocer la obra de Michael Kenna.

Las obra de Kenna podría ser englobada en la categoría de fotografía de paisaje, realizada siempre en un sobrio blanco y negro que recuerda al estilo de Sugimoto Hiroshi. Sin embargo, mientras que la fotográfia de Sugimoto se muestra siempre en grandes proporciones, las fotogafías de Kenna siempre se exhiben en un tamaño no mayor que una A3. Las razones responden a poder poseer de esta forma un mayor control sobre la copia final (por supuesto revelada por él mismo), y por una cuestión de intimidad: La establecida entre el espectador que tiene que acercarse a la fotografía para observar unos detalles, que se revelan de un sólo vistazo como si de un haiku se tratase.

Del resto de fotógrafos, las perspectivas aéreas en blanco y negro de Matsue Taiji dejan bastante indiferentes, al igual que los desnudos de un David Bailey demasiado obsesionado en convertirse en un nuevo Avedon. Y sobre moda también gira el trabajo de Ellen Von Unwerth, una ex-modelo reconvertida a fotógrafa, cuyo portafolio es la suma de profesionales trabajos como los que se ven en cualquier revista de moda de prestigio, en la que la mano del fotógrafo apenas queda visible y es reducida al mínimo por el equipo de estilistas, maquilladores, directores de arte y las mismas modelos que garantizan que todo luzca como es debido. A fin de cuentas y como desvela ella misma en la entrevista, la parte más importante de su trabajo fotográfico es saber escoger a las modelos adecuadas al estilo de cada sesión.

Diferencias:

Michael Kenna - Ferry Cisne, Lago Yamanaka, Honshu, Japón. 2001

Sugimoto Hiroshi - Seascapes, Mar Negro, Inebolu, Turquía, 1991

Yamamoto Kansuke

Fue quizás una casualidad el que paseando por el barrio de Chiado en Lisboa, descubriese una exposición de Man Ray en el Museu Nacional de Arte Contemporânea. Desde entonces y por alguna inexplicable razón, siento una atracción por las fotografías dadaístas. Quizás sea por esa banalización del objeto, o por esa deliberada artificialidad en busca del imposible poético. Mi último descubrimiento en esta línea ha sido el fotógrafo japonés Yamamoto Kansuke, por mucho tiempo olvidado y sólo recientemente recuperado como uno de los grandes fotógrafos a nivel mundial de este tipo de vanguardia.

miniatur wunderland

La locura por las lentes TS (Tilt Shift) se ha desatado recientemente. Gracias a este tipo de lentes, se puede conseguir ese curioso efecto de conseguir fotografías panorámicas que parecen pequeñas postales de una ciudad de juguete. El efecto no es en absoluto nuevo, y con una cámara de gran formato se puede obtener fácilmente y sin necesidad de ningún accesorio extra.

La primera vez que ví ese curioso efecto fue en unas fotografías en blanco y negro de David Burnett seleccionadas para el World Press Photo del año pasado. Aunque Burnett logró el efecto con una cámara de gran formato, la existencia de unos objetivos especiales para 35mm puso al alcance la técnica para la mayoría de fotógrafos. Canon fue la primera compañía en intuir el potencial de este tipo de lentes, y lanzó el primer objetivo de estas caracterísiticas para su sistema de lentes FD en 1973. Enfocado principalmente a fotógrafos de arquitectura, parece que han tenido que pasar 30 años para descubrir nuevos potenciales propios de una toy-camera, ponerse de moda, y que sus precios en el mercado de segunda mano suban más si cabe. Desde las fotos de Burnett, numerosos fotógrafos se han apuntado a la tendencia, y han sido muchas las revistas en mostrar esas "originales" fotografías que no dejan de ser copias reiterativas de una misma idea.

Para aquellos amateurs de los digital, descubro que el efecto ya se puede conseguir en Photoshop. Lo vi primero en un artículo de pingmag con fotos de Tokio, y acabé en un tutorial que explica paso a paso como conseguir este curioso efecto.

Ni Photoshop ni lentes TS. Fotografía de "Miniatur wunderland", una enorme maqueta a escale de una ciudad en Hamburgo. Sam Javanrouh.

写真山脈

Es imposible estar al tanto de todos los free paper que se publican en Tokio. Un paseo por alguna zona de galerias de arte, como Harajuku o Nakameguro, siginifica volver a casa cargado de multitud de pequeñas revistas por lo general no más grandes que una cuartilla. El tema de estas pequeñas publicaciones autogestionadas varía desde la temática naif, a recorridos urbanos o muestras de graffitis. En su mayoría, estas gratuitas y pequeñas revistas no pasarán de su primer número, aunque otras con más suerte y más recursos, conseguirán tener una tirada más o menos estable, que durará lo que tarde alguno de los promotores en encontrar un trabajo estable.

Resulta interesante cuanto menos ver los trabajos de esos jóvenes fotógrafos japoneses que luchan por mostrar sus trabajos a pesar de perder dinero, en una sociedad tan mercantilizada como la japonesa. El último free paper que llamó mi atención (por el tamaño, sin duda) lo encontré en el Tsutaya-Starbucks de Roppongi Hills. Bajo el el nombre de Shashin Sanmyaku, el volumen 1 de este colectivo trató sobre el siempre seguro y popular tema de Akihabara. Siete fotógrafos rondando los 25 años ofrecen su particular versión y mirada sobre tan popular barrio. Aunque los temas giran en torno a los tópicos de siempre y los estilos no son originales, es loable el esfuerzo de editar una revista de fotografía gratuita tamaño A4, de unas 50 páginas de papel de calidad y sin publicidad. Un esfuerzo económico, que aunque quizás no pueda volverse a repetir, sería interesante que tuviese continuidad y que en cada número hiciesen un reportaje fotográfico de otros barrios de Tokio.

Galería

Aono Chihiro

Dodo Arata

Hirose Tatsuo

Matsui Satomi

Oguri Hiroki

Oka Yusuke

Ooki Kenichi

darkroom

«Humedad y oscuridad son elementos muy importantes de la fotografía, que debemos preservarlos para que lo digital no acaben con ellos»

Araki Nobuyoshi

Vivimos en una sociedad acostumbrada a la inmediatez. De las comunicaciones, de las relaciones, de los intercambios. .. lo queremos todo YA, e incluso la paciencia de leer se reduce a la velocidad con la que bajamos el scroll de nuestro navegador. Ahora que es posible tomar una fotografía desde un teléfono móvil y recibirla en segundos en la otra punta del planeta, hablar sobre el tiempo que lleva la preparación de una fotografía es algo impensable para mucha gente. Los programas de procesamiento de imágenes tipo Aperture o el futuro lightroom, además de quitar ese misticismo de alquemista al tradicional revelado químico, quitan esa imprevisibilidad capaz de sorprendernos y tan necesaria en la composición final de la fotografía, por cuanto somos incapaces de decidir cuales son los colores "reales" a traves de tanto filtrado tecnológico.

Cuando revelamos en nuestro cuarto oscuro, en unos minutos obtenemos la copia final en todo su esplendor, lo que nos permitirá de manera inmediata corregir tiempos de exposición o elegir el toner que mejor va a nuestra composición. Sin embargo, la inmediatez de la fotografía digital a la hora de obtener una copia final en papel es engañosa. Pese a hacer caso a los fabricantes invirtiendo horas en el calibrado del monitor, la experiencia en la visualización de la fotografía varía de forma infinita. Cada usuario usa una calibración diferente, por lo que la misma fotografía nunca se verá igual en dos ordenadores, haciendo casi inservible el tiempo empleado por el fotográfo digital en la cuidadosa preparación de la imagen. Otro tanto sucede con la impresión. Pese a usar la última tecnología en impresión y papel de impresión, la copia final en papel diferirá de la fotografía que tenemos en pantalla, lo que nos llevará de nuevo a un tedioso método de ensayo y error, que en el caso de la fotografía en blanco y negro incluso terminará por encarecer el proceso.

En el número de Febrero de la revista "Black & White Photography", Mike Crawford propone un interesante ejercicio. Revelar en papel un negativo de la forma tradicional según sus preferencias y gustos estéticos, para después escanearlo e intentar reproducir los mismos gustos a través del famoso programa de edición de imágenes Photoshop. En al artículo, Crawford describe punto por punto todos los pasos del revelado y de la edición digital, para al final ofrecernos una comparación de resultados para tres fotografías diferentes. Pese a obtener buenos resultados en todos ellos, las fotografías obtenidas por el revelado tradicional tienen una riqueza de texturas y unas gradaciones de grises, imposibles de observar en las planas composiciones obtenidas por el ordenador. Y es que es en esa explosividad violenta que acontece en las reacciones químicas de nuestro cuarto oscuro, en donde el color se manifiesta como algo doloroso que ha sido "grabado" a fuego durante la fracción de exposición del negativo. Un momento que en ese otro cuarto oscuro diferente al de la cámara, intentaremos reproducir o reinterpretar con la paciencia del forense que examina las causas de la muerte de la reacción química del negativo.

Siguiendo el ejemplo del artículo de Crawford, pero sin entrar en su nivel de complejidad técnica, decidí hacer la misma prueba con uno de mis negativos. Dos versiones para una misma foto, en la que hay diferencias observables...

FOTO: Shinjuku go-chome, Tokio. 2006. Canon T-90. Film Kodak Professional T-MAX 100. Objetivo 28mm. Revelado con Microfine.

Adobe Photoshop CS

Papel Fujibromide Rembrant V F3, glossy

御手洗 mitarashi

Mitarashi del santuario Meiji, Tokio. 2005
Canon A-1. Film Kodak High Definition 400 (caducado). Objetivo 80-200mm

camerapedia

Una buena iniciativa lo de hacer un wiki sobre cámaras fotográficas. De momento es una web muy incompleta que no se acerca ni por asomo a los artículos de un gran clásico de las webs de cámaras de fotos: Photography in Malasya. Bajo este título engañoso, se esconde una página que hace un recorrido extensivo a las cámaras clásicas de 35mm de los grandes fabricantes. Imprescindible.